Ira Lombardia, artista, ricercatrice ed educatrice, nel 2012 presenta il suo progetto Visual Strike, che sfida le convenzioni e le retoriche dell’arte contemporanea, della fotografia e della filosofia, focalizzandosi sulla trasformazione del paradigma postmoderno nella cultura visiva digitale, dunque arrivando a una riflessione sulla società nel suo complesso, che spesso induce a una perenne produzione. Nell’accezione di questo lavoro, Lombardia legge tale urgenza in chiave di ecologia fotografica: quante immagini vengono prodotte ogni giorno accrescendo l’inquinamento visivo? Con l’avvento della post-fotografia si inizia a riflettere sull’impatto che la produzione continua di immagini può avere, ci si chiede quando è davvero il caso di creare e condividere nuovo materiale e quando si potrebbe evitare. Il 24 maggio 2012 l’artista firma un manifesto che invoca uno sciopero delle immagini: per mille giorni rimuove ogni foto dal suo sito web e lascia un testo che spiega il gesto. Con questa azione Lombardia non vuole smettere di produrre in generale, ma prendere posizione contestando il consumismo delle immagini “usa e getta”.

È uno sciopero simbolico, un atto di ribellione, perché ci sono talmente tante immagini che, per il fatto di essere troppe, non hanno praticamente più valore. Esse perdono la loro forza, il loro significato, sono così tante che non lasciano respirare e soffocano tutto, assolutamente tutto².

L’artista, in questo modo, si sottrae alla complicità di generare ulteriori immagini che andrebbero solo ad accrescere un inquinamento visivo.

La criticità della società della prestazione è pertanto il suo generare individui che si sentono in dovere di essere produttori di loro stessi come unico obiettivo di vita (per quanto spesso tale impulso possa rimanere inconscio) e, più questo aspetto viene portato agli estremi, più si va incontro al risultato opposto: la depressione. La persona smette di produrre.

Questo è il grande paradosso della nostra società.

Esaurimento e affaticamento sono manifestazioni di una violenza neuronale all’interno di una società caratterizzata da continui eccessi di prestazione. Il soggetto arriva a essere in guerra con se stesso provocando gravi conseguenze sulla sua salute mentale. I disturbi psichici assumono quindi una valenza sociale e politica: non riguardano più il singolo ma il sistema nella sua interezza, complice della loro manifestazione. Il burnout, la depressione, e la sindrome ADHD³ non sono altro che evidenze delle criticità del sistema sociale attuale. Un aspetto che tuttavia possiamo riscontrare è come, alla luce di questa situazione, spesso si cerchino modi per gestire il malessere, evitando di leggerlo in chiave politica. Nascono modalità di auto-aiuto, come lo yoga, la meditazione, o si ricorre anche alla farmacologia per superare momenti di fragilità e poi ricominciare con le modalità che impone il sistema.

La curatrice Sonia Fernández Pan, in un testo intitolato Humans are ecohazards, machines too, tratta la tematica del malessere generato dal sistema, soffermandosi sul suo stress personale che la porta poi a soffrire di bruxismo⁴. L’autrice prende in esame il suo apparecchio notturno, che diventa così simbolo delle conseguenze delle dinamiche della società contemporanea, raccontando: «Ogni notte, la mia lingua accarezza questo dispositivo di plastica che contiene l’ideologia del sistema: modera i sintomi del disagio trascurando strategicamente le cause»⁵

A questo punto diventa necessario chiedersi: gli artisti come gestiscono l’auto-imposizione di produttività e prestazione nella quotidianità, dal momento che essi possono essere visti come i soggetti produttori di se stessi per eccellenza? 

L’artista deve infatti farsi carico della costruzione della propria notorietà e del valore del suo lavoro, per questo si impegna costantemente per promuovere se stesso, creando opportunità e sfide che lo accompagnano nella sua carriera, e dalla sua produttività ne deriva direttamente il suo sostentamento. Tuttavia, è proprio quando il soggetto crede di avere totale libertà che esso diventa vittima del sistema e insieme carnefice di se stesso, sfociando perciò nell’auto-sfruttamento. E dal momento che per un artista ciò rappresenta una dinamica quotidiana, diviene fondamentale una presa di coscienza.

Una forte tematica che nasce da tale necessità riguarda la potenza del “no”, concetto ripreso da vari autori. Primo fra tutti, Herman Melville con la celebre frase «I would prefer not to» pronunciata dal suo personaggio Bartleby, protagonista del romanzo Bartleby lo scrivano: una storia di Wall Street⁶, la cui analisi verrà successivamente approfondita da altri autori come Giorgio Agamben e Gilles Deleuze. L’imporsi con il “no” fa dunque leva sulla possibilità di uscire dalle dinamiche della società della prestazione, decidendo coscientemente di “non fare”: azione di resistenza in risposta a una società iperproduttiva. Se ripensiamo quindi alla performance di Tehching Hsieh è evidente la sua rilevanza: l’artista non fa altro che adottare il “no” e dare risonanza alla sua potenza, portandola al suo estremo.

Altra dinamica da evidenziare alla base della società della prestazione è quella economica, per la quale si rileva una continua tendenza alla produzione: un generare perpetuo di elementi da immettere sui diversi mercati. A questo proposito, un progetto che ne porta in luce la complessità è Tear Dealer, video installazione realizzata da Alicja Rogalska e Łukasz Surowiec nel 2014. I due artisti decidono di affittare per qualche giorno uno spazio situato in una delle strade principali di Lublino, in Polonia. Nel locale chiunque, volendolo, avrebbe potuto produrre e vendere le proprie lacrime a circa 25 euro per 3 ml. Questo spazio si uniformava perfettamente con il resto dei negozi e spazi commerciali della via, entrando nelle logiche produttive della città. L’opera finale dei due artisti diviene poi un video che documenta queste giornate e mostra le persone che vi hanno preso parte. Tale progetto rappresenta un’inversione della logica del lavoro, consentendo alle persone di esprimere collettivamente e capitalizzare i propri sentimenti di disperazione e frustrazione. I partecipanti si ritrovano quindi a sfruttare in termini economici e rendere produttiva persino la loro sofferenza, commercializzando le emozioni. In una società della produttività come quella in cui viviamo, qualsiasi cosa può entrare nel sistema produttivo e il lavoro di Rogalska e Surowiec ne è una prova tangibile.

Alla luce di questa analisi, si può notare come la tematica presa in questione sia ampia e complessa e abbia di conseguenza diverse sfaccettature. In una società nella quale si cerca di attenuare i sintomi senza andare alla radice del problema, è fondamentale iniziare a leggere in chiave politica alcune situazioni di malessere, prendendo coscienza delle dinamiche insite al sistema stesso. In simili condizioni, gli artisti possono guidare ciascuno di noi nell’interpretare in modo critico alcune circostanze che altrimenti sembrerebbero ordinarie. Dobbiamo aspirare al raggiungimento di un equilibrio tra una produttività sana e un eccessivo bisogno di prestazione, nella speranza di costruire una società più consapevole e autentica..